Elektronische Musik: Geschichte, Richtungen & Künstler

Diese Lektion definiert das Konzept der elektronischen Musik und liefert Beispiele für verschiedene Instrumente, Genres und Künstler, die diese Kategorie ausmachen. Die Rolle der Technologie bei der Entstehung von Musik im 20. und 21. Jahrhundert wird berücksichtigt und Sie können an einem Quiz teilnehmen!
Was ist elektronische Musik?

Einführung

Elektronische Musik ist überall im Amerika des 21. Jahrhunderts zu finden. Es findet sich auf riesigen, mehrtägigen Festivals wie dem Electric Daisy Carnival, im Top-40-Radio und in einer Vielzahl von Werbespots. Elektronische Musik hat eine komplexe Geschichte, die sich von obskurer avantgardistischer Kunstmusik bis hin zu glitzernden Disco-Ballsälen erstreckt.

Elektronische Musik ist genau das, was der Name vermuten lässt: Musik, die mit elektronischen Instrumenten gemacht wird. Die Kategorie der elektronischen Musik lässt sich am besten im Gegensatz zu den Kategorien der akustischen oder traditionellen Musik, wie Klassik, Jazz oder Folk, verstehen. Da Musiktraditionen wie Klassik, Jazz und Folk jedoch häufig mit digitaler Technologie aufgenommen, mit Mikrofonen verstärkt und über das Internet verbreitet werden, kann es schwierig sein, die Unterscheidung zwischen elektronischer und nicht-elektronischer Musik im 21. Jahrhundert zu unterscheiden. In diesem Sinne können wir das Konzept der elektronischen Musik als das Ergebnis der bemerkenswerten Revolutionen des 20. Jahrhunderts in den Bereichen Computer, Elektronik und Digitaltechnik verstehen. Im Laufe des 20. Jahrhunderts bauten bahnbrechende Ingenieure, Erfinder und Musiker Maschinen, die Musik auf eine Weise produzieren konnten, die bisher unvorstellbar war.

International

Der russische Musiker und Erfinder Leon Theremin erfand das Theremin 1920. Das Theremin ist ein Instrument, das elektromagnetische Felder erzeugt, die Geräusche in verschiedenen Tonhöhen erzeugen, wenn der Musiker seine Hände um das Theremin herum bewegt. Theremins erzeugen einen hohen, trällernden Klang, der für seinen Einsatz in Horror- und Science-Fiction-Filmen der 1950er Jahre am bekanntesten ist.

In den 1930er und 1940er Jahren entwickelten zahlreiche Erfinder verschiedene Versionen des Synthesizers. Diese elektronischen Instrumente sollten ursprünglich die Klänge von Orgeln oder anderen traditionellen Instrumenten nachahmen, wurden aber bald als eigenständige Werkzeuge der Musikherstellung angesehen. Die avantgardistische Musikbewegung, die als musique concréte bekannt ist, benutzte in den 1940er Jahren elektronische Instrumente in einer Weise, die für spätere Stile der geschichtlichen elektronischen Musik sehr einflussreich sein sollte. In den 1950er und 1960er Jahren begann der hochkreative kanadische Musiker Bruce Haack, elektronische Musik zu machen, die ursprünglich für Kinder gedacht war, und erschien mehrmals in der Fernsehsendung Mr. Roger’s Neighborhood mit seinen verschiedenen Gadgets. In den 1960er Jahren begann Robert Moog mit der Produktion seiner berühmten Synthesizer-Linie, die den Bereich der elektronischen Musik revolutionieren sollte. Moog-Synthesizer sind auch heute noch weit verbreitet.

Die 1960er

Ab Ende der 1960er Jahre erlebte die elektronische Musik eine Explosion von Kreativität, technologischem Fortschritt und Popularität. Diese Zeit des Fortschritts würde in vielerlei Hinsicht den technologischen Fortschritt in anderen Technologiebereichen wie PCs und Videospielen widerspiegeln. Nach seinem Umzug nach Deutschland wurde der in Italien geborene Musiker Giorgio Moroder zu einem äußerst einflussreichen Verfechter der elektronischen Tanzmusik, insbesondere des Subgenres Italo Disco. Deutschland war in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren eine Brutstätte des musikalischen Experimentalismus, insbesondere im Bereich der elektronischen Musik. Gruppen wie Kraftwerk, Tangerine Dream und Can nutzten Synthesizer und andere elektronische Instrumente, um Rockmusik in neue Formen zu verwandeln und inspirierten viele Menschen auf der ganzen Welt, mit elektronischer Musik zu experimentieren.

Wie die Ethnografin und Kulturtheoretikerin Sarah Thornton beobachtet hat, war der Raum, in dem in den 1970er Jahren elektronische Musik von den Fans erlebt wurde, genauso wichtig wie die Musik selbst. Die Diskothek, später auf Disco verkürzt, war ein Ort, an dem neue elektronische Tanzplatten von einem DJ gespielt wurden und die Fans zur Musik tanzen konnten. Dies war ein Raum, der von den Einschränkungen und Kosten einer Live-Band befreit war, in der die Technologie die Oberhand behielt. Diese tanzzentrierten Umgebungen waren der Vorläufer dessen, was zu Rave-Kultur und Clubkultur werden sollte.

Die 1970er

Mitte der 1970er Jahre erfreute sich die Disco-Musik eines Höhepunktes ihrer Beliebtheit. Elektronische Synthesizer wurden mit Drum Machines kombiniert, um einen tanzfreundlichen Musikstil zu kreieren, der weltweit an Popularität gewann. Die europäische Version, angeführt von Giorgio Moroder, war sehr futuristisch klingend und Synthesizer-basiert. Die amerikanische Version der Disco war viel mehr im Funk, Soul und anderen afroamerikanischen Genres verwurzelt. In den Vereinigten Staaten erlebte die Disco in den frühen 1980er Jahren einen plötzlichen Rückgang der Popularität, der, wie einige argumentierten, durch Homophobie und Rassismus angetrieben wurde.

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